高美館《彼岸》開展！陳威廷：人是一直在移動中去面對自己的情感

高雄市立美術館全新展覽陳威廷個展《彼岸（Paramita）》於11月9日至12月29日登場！此次展覽由策展人曾學彥策劃，以「彼岸」爲主題，呈現藝術家十年來，涵蓋手寫詩文、平面繪畫以及立體雕塑等作品。不同於傳統的編年史策展邏輯，此展依循高美館地下場域原有的兩個空間脈絡，將展覽分爲光明與黑暗、白晝與黑夜的對比，不只巧妙呼應展名「彼岸」，更藉此反映出藝術家作品中的虛實與共。對陳威廷而言，創作是與自己和解的過程。但透過展覽，也能讓觀者從作品中感受到被各種詩性點燃、產生共鳴的瞬間。

藝術家陳威廷個展「彼岸（Paramita）」高雄市立美術館展出。 圖／藝術家陳威廷提供、攝影：黃覺深、Chris Chen提供

以「彼岸」召喚回溯十年創作的變與不變

出生臺南、現居日本的陳威廷，向來習於將生活與書寫貼合、同時也藉由詩與塗鴉的匯融成就更爲當代的創作形式。在他的創作中，經常運用大量兒時符號，從泰迪熊、直覺性塗鴉、樂園偶裝角色等，媒材上，則多以壓克力和油性粉彩顏料作畫，這些繪畫猶如日記形式的紀錄，既藏有個人童年經驗的蛛絲馬跡，同時又能引發大衆共鳴。此外，2015年起他也開始着手雕塑，將平面畫作進行立體的延伸，從銅雕、玻璃纖維、口吹玻璃到木雕等，使用媒材相當廣泛。

旅日臺灣藝術家陳威廷。 圖／藝術家陳威廷提供、攝影：黃覺深

此次展覽以「彼岸（Paramita）」爲題，共展出平面繪畫、紙上作品、立體雕塑三大類作品。因Paramita一詞在佛教中意指「到彼岸」，意指超脫生死與輪迴的涅槃，同時又對照出「此岸」即不斷輪迴的境地。爲此策展人曾學彥運用四部配置梳理了藝術家的創作脈絡。其中「此地（Here）、生相（Portraits）」展示了藝術家前期創作，大量使用卡漫風格的角色與物件；而「彼岸」呼應展覽名稱，是藝術家以少年的視角「回望」或「前瞻」成年後的人生境遇；至於「書寫」則特別公開了藝術家日常生活中的手稿、塗鴉、文字。讓大衆可透過最直率的創作初衷，一次爬梳藝術家的創作歷程。

展場以一堵牆一分爲二，右邊爲「此地」，左邊爲「彼岸」、「生相」、「書寫」四大分類。 圖／藝術家陳威廷提供、攝影：黃覺深

專訪藝術家陳威廷！探索詩意與存在的邊界

信奉佛教的陳威廷每天起牀都要點香，這個儀式感彷彿能讓自己更穩定，也會感覺今天好像會發生什麼好事。而平常也會念經的他，亦從經文中發現到「彼岸」的元素。因在佛學的概念裡，「彼岸」意指「涅槃」，而「此岸」則暗喻「生死」，因此「此岸」代表生了又死、死了又轉生的輪迴。爲此展覽名稱便由此而生。他說：「我感覺有些事好像會在無形中，讓你用另一種方式與自己巧遇。這個相遇，就像從此岸到彼岸的關係，也像作品間、或人與人間的情感狀態。」

因此在此次展覽策劃及展場設計上，整個分類的方式更貼近白天與黑夜的概念，從一種極其光亮、可愛、甜美的感覺，又重新回到相對深沉的狀態。尤其此空間本來即爲兩個切面，因此在燈光設計上，也特別以一個較光亮、另一則有點昏暗的呈現，使兩側作品產生顯著的視覺差異。特別是，「此地」展間盡頭的三件作品，亦採用劇場式的手法詮釋，不只讓視線更聚焦、也更添情境氛圍。

「此地」展場一隅。 圖／藝術家陳威廷提供、攝影：黃覺深

「此地」展間盡頭的三件作品，以劇場式燈光方式詮釋而成。中間爲作品「Manjusaka」2022。 圖／Chris Chen提供

作品「Night Tour」2024。 圖／Chris Chen提供

當我們走進展場，首幅看見的作品即是2016年藝術家當兵時，送給母親的生日禮物畫作「Happy Birth Day」aka蠟燭狗，「那時我沒有特別思考到底要畫什麼，我喜歡狗，然後基於生日所以畫了一個蠟燭；但我每次都覺得，好像吹熄了蠟燭又少一歲，既感傷、又快樂。」因此透過，「吹熄蠟燭」後又好像少了些什麼的概念，讓陳威廷開始去思考火存在的意義。

對他來說，「火可以燃燒生命，也能燒掉一些東西，有其二重性，因此我也開始思考火對我的意義是什麼？」特別是蠟燭能將某些東西傳遞下去，或讓祝福被擷取，即便燭光微弱，卻能照亮他者。因此，在陳威廷的作品中，也經常會看見蠟燭一面照射着自己，但另一面卻是熄滅了的狀態。

作品「Happy Birth Day」 2016。 圖／Chris Chen提供

作品「Lonely room with you」 2023。 圖／Chris Chen提供

作品「Finding Peace between Light and Dark」2024。 圖／Chris Chen提供

陳威廷雕塑作品。 圖／Chris Chen提供

藉由展覽去思考個人所在的位置

此外，陳威廷也提到，因爲前陣子重看了卡謬的《異鄉人》，「書中他就在聊自己怎麼去面對世界的方式，我也開始思考自己在面對繁雜世界時，有時就好像默默走進一片海，然後透過去看海的流動，讓自己更加穩定一點。」

只因海是一種流動，不確定感，也象徵着某種變化與嶄新可能；一如此次展覽主視覺作品「That Place」裡的生物，不管移動到哪個角度，都會轉頭微笑的望向觀者；而此生物的背景裡有遠方山景，與一艘正在逐漸消失的小船，彷彿以畫面開啓了情境敘事，它像在告訴你，將要前往更遠的地方，或者只有你一個人在這等待那艘小船慢慢的流動。因此，「對我來說，這個展覽是關於自己，可是其實更大部分是給看畫的人，去思考你自己所在的位置。」

這裡所指涉的「位置」，既是地理上，藝術家從臺北、高雄、臺中、日本等地棲居的流轉，也是他心裡看待自己與世界的關係。「這些移動的位置，對我而言都感觸蠻深的。因爲我覺得人是一直在移動中，去面對自己的情感，狀態也都是一直在流動的。」因此這件主視覺作品也意味着藝術家透過思考自己的定位，藉此以更自我、內在、深層的視角，回望個人。

作品「That Place」 2024。 圖／Chris Chen提供

作品「Kafka on the Shone(海辺のカフカ)」2024。 圖／Chris Chen提供

「我的作品其實就是與自己的和解」

不過，回溯當初爲何開始從事當代藝術或視覺藝術，陳威廷坦言，雲門影響他很深。「大學時期。因爲一堂美學課看到了林懷民老師的《九歌》，當時我覺得很震撼，想不到文學的東西能這樣被表達，重新被這樣子扭轉，還能產生出另外一種視覺張力。有好幾幕是國喪，林老師利用水、天燈去撫平土地的傷痕，而那一道水流動的痕跡，我覺得好像某部分也在我創作裡留下了些什麼。我的畢業論文是寫《九歌》，我的作品裡也有很多的河，但我不確定是要撫平痕跡，還是照映自己的投射。」不過雲門對他而言，確實存在一定影響力，也讓他開始思考何謂美學，與自我間的關係又是什麼。

但回到初衷，「我在創作時，其實某部分其實在畫自己的狀態，因此我的作品其實就是與自己的和解。」除此之外，很多時候陳威廷其實也在談虛跟實，「就像你表面看這個人他很真實，可是其實他的內在卻是難以捉摸。」

展場一隅。 圖／藝術家陳威廷提供、攝影：黃覺深

展場一隅。 圖／藝術家陳威廷提供、攝影：黃覺深

一如此次展出的作品「Shadow Game」，描繪了日本戰爭時，因無法見到遠方的親人，會透過類似皮影戲的方式，讓影子去傳達思念。「就算你知道影子是虛的，但你的思念卻是真實的；我覺得那個狀態，也像在描述人跟人之間的相處模式，以及你怎麼去確定你跟那個人的關係。」而另一件作品「Finding Peace between Light and Dark」也是透過畫面中的月亮與太陽、生物手中燃燒與熄滅了的蠟燭，去講述光明與黑暗的議題。「就算外面的世界再混亂，只有自己才能去主宰那個狀態、去平衡它，去保持一個既洶涌又平穩的狀態。」

右爲作品「Shadow Game」2024。 圖／Chris Chen提供

不過，當我們瀏覽着藝術家2014年至2024年的手稿作品時，不難看出他每個時期在思考的狀態跟事情都截然不同，但這些元素，後來都會慢慢演變成其畫作中的一部分，「所以，我覺得很多時候，這些小小的手稿、雜記，都是我繪畫的起點。而云門或文學書籍，則是影響我去思考生命的狀態，讓我透過書寫再轉化成繪畫與雕塑。」

或許，有些人首次認識陳威廷，是因看似討喜的哭泣熊或蠟燭狗。然而，當我們更深入去觀看他的作品時，在那些甜美糖衣下，還能嚐到一絲童年時期的苦澀、對生活與人際關係的不確定性，以及遠走他鄉的迷惘與收穫；雖然並不是所有的答案都在遠方，然而藉由每次觀看的目光、移動的瞬間、與內在自我的誠實對話，都能讓壓抑情緒，被一吋吋地安穩釋放。

陳威廷手稿。 圖／Chris Chen提供

作品「Bremen Band」 2024。 圖／Chris Chen提供